Entre la France, les États-Unis et le Japon, Julie Glassberg capture des gestes de liberté, de résistance et d’affirmation de soi. À travers la danse ou la route, ses photographies révèlent la vitalité de ceux qui réinventent leur présence au monde. Peindre son camion de motifs flamboyants, danser chaque semaine malgré le poids des ans, fabriquer des vélos improbables pour des joutes anarchiques : autant de façons de se réapproprier son espace et son identité. L’artiste s’intéresse à des communautés qui transforment le quotidien en un langage, des individus qui investissent un objet non pour ce qu’il est en lui-même, mais pour ce qu’il représente au sein de leurs univers.

Une exposition qui propose une vision actuelle de notre histoire contemporaine et collective à travers les voix de 21 sculptrices françaises et internationales. Telles des Shéhérazade modernes, ces artistes donnent vie à nos récits communs et, à travers leurs œuvres choisies au sein de la Collection Fondation Villa Datris, nous transmettent un héritage, le nôtre.

En 1979 et 1980, chaque samedi matin de deux hivers successifs, Roland Barthes s’adresse au public du Collège de France avec pour sujet "La préparation du roman". Mais plutôt qu’un cours théorique, on découvre un être fragile qui se laisse à parler de lui comme jamais : l'auditoire découvre alors la magie de sa parole, son intensité, son goût des digressions, son humour, dans ce qui se révèle être avant tout une passionnante leçon de vie. Après Réparer les vivants de Maylis de Kérangal et Un jour, je reviendrai de Jean-Luc Lagarce, Sylvain Maurice et Vincent Dissez poursuivent leur collaboration fructueuse autour du monologue.

Tim nous a parlé d’amour, d’intimité, de liens et de sentiments puissants comme un pied de nez face à la maladie. En suivant la recommandation de Jean-Luc Lagarce qui affirme dans son œuvre que « le sida n’est pas un sujet », qu’il ne pouvait parler que de son expérience, nous parlerons de la maladie à travers autre chose : l’amour. L’amour qui occupe le corps et l’esprit, l’amour qui permet de se penser autrement que malade, l’amour comme un travail à plein temps, l’amour actif.

L’amour après est un récit de 156 pages, scindé en 13 chapitres, écrit à la première personne. Marceline Loridan-Ivens y tresse les temps. Passé, présent et futur s’entrecroisent et coexistent. Une part d’elle-même n’est jamais sortie du camp. Le récit avance pourtant au fil des retrouvailles et des lettres. Petit à petit, elle console celle qu’elle a été et celle qu’elle est aujourd’hui. Grâce à la franchise qu’impose le désir d’en finir, elle observe ses liens, ses amours, son quotidien, avec liberté, sans jugement. Elle reconnaît, accepte celle qu’elle a été et celle qu’elle est devenue.

Pour sa 6ème édition, Les Belles Heures donnent rendezvous au cœur du Festival d’Avignon pour découvrir et fêter le théâtre qui s’écrit aujourd’hui. Conçu avec le Festival d’Avignon, la Maison Jean Vilar et de nombreux partenaires, cet événement propose un parcours libre et original qui réunit une cinquantaine d’auteurs et d’autrices. Lectures, rencontres, formes performées, atelier d’écriture, propositions inédites, banquet et cabaret : pendant deux jours, les mots circulent, se réinventent et se partagent, au rythme du festival.

La Ferme du Bonheur est une utopie concrète et collective mais elle est née de l'imaginaire d'un homme, Roger des Prés, qui a projeté ses rêves de ruralité sur une des zones urbaines les plus dures de la métropole francilienne, entre La Défense et Nanterre, pour en faire un modèle admiré par les plus grands urbanistes et paysagistes (de Patrick Bouchain à Gilles Clément). Dans La Fabrique du P.R.É, Roger raconte cette histoire et cette utopie avec sa verve inimitable en s'aidant d'un jeu de carte inspiré du tarot marseillais au milieu du Favella Théâtre, cette merveille de planches et de tôles, débordante de poésie et de liberté.

TWAMA Paradise est la rencontre de deux femmes artistes, aux parcours pluriels et passionnants. Tendant un miroir trouble, Héla Fattoumi joue des fantasmes de la gémellité en imaginant des retrouvailles avec une sœur rêvée, la danseuse actrice et chorégraphe Sondos Belhassen. Deux figures de scène incandescentes, baignées des mêmes repères culturels - images populaires, icônes pop, danses et costumes traditionnels, binômes de cinéma… La Tunisie, terre commune d’origine, d’exil et de retour, est l’autre endroit où l’on projette ses rêves.

Les Micro-Folies sont un dispositif national de musée numérique porté par le ministère de la Culture et coordonné par La Villette, qui vise à favoriser l’accès de proximité à l’art et à la culture. Des dispositifs de médiation culturelle se déploient autour de la base numérique dans 623 structures à travers la France, accueillant le public principalement dans les quartiers prioritaires et les zones rurales pour rendre l’art et la culture accessibles au plus grand nombre et valoriser son impact sur les territoires.

C’est l’expérience formelle d’un espace transformé en champ de tir : une scène traversée par des flèches. C’est l’expression d’une idée soudaine qui fuse de 0 à 250 km/h en un quart de seconde en fendant l’espace : c’est évidemment une idée ravageuse. C’est la proximité d’un danger avec des personnes qui décident de s’organiser et de vivre là, un peu comme un village au pied d’un volcan. C’est une stéréovision avec d’un côté une personne qui tire et à l’opposé une personne qui est visée. C’est la réponse fumeuse à la question brumeuse : qu’est-ce que je vise ?

Le Jardin21 est un jardin urbain et tiers-lieu estival situé au bord du canal de l’Ourcq, dans le 19e arrondissement de Paris. Pensé comme un espace de détente, de culture et de convivialité, il propose une programmation mêlant ateliers, DJ sets, rencontres et initiatives écologiques. Véritable lieu de vie à ciel ouvert, Jardin21 invite habitants et visiteurs à se retrouver autour de la nature, de la création et du partage en milieu urbain.

ll doit sans doute sa longévité à son mode de programmation exceptionnel : ce sont les huit membres de la Jeune Troupe du Théâtre Olympia qui portent un regard curieux, attentif et exigeant sur les créations de leurs pairs. Ce sont elles et eux qui guident notre regard vers des gestes artistiques émergents, donnant le pouls d’une génération qui s’empare avec courage des plateaux de théâtre.

Le WET10 est fait de huit spectacles très éclectiques où nous croiserons des tirailleurs sénégalais, Niki de Saint Phalle, Donna Haraway, Henri IV, le shatta, la fête nationale belge, une coyotte, Jean-Luc Lagarce, Marlon Brando ou Alzheimer…

Le festival proposé par ici l’onde n’a qu’un seul objectif : faire découvrir la création musicale et sonore telle qu’elle s’invente aujourd’hui. Un concert pour smartphones, du gamelan balinais augmenté par l’électronique, un orchestre de radios, des sculptures sonores vivantes, de la musique ambiant qui joue avec nos perceptions du son, une rencontre entre un quatuor à cordes et des lutheries sauvages, un acousmonium, des massages sonores à écouter par le corps…

Transfo – Emmaüs Solidarité présente du 4 décembre 2025 au 7 février 2026 la première exposition personnelle en France de l’artiste Jenna Marvin, performeuse russe de 26 ans révélée par le f ilm documentaire Queendom en 2023. Sous le titre PROPAGANDA, cette exposition rassemble un ensemble de photographies, vidéos, sculptures et installations issues de la singulière démarche actionniste qu’elle a débutée en Russie. Réfugiée en France depuis 3 ans, la frêle, insolente et puissante soldate Jenna Marvin tombe souvent en public mais se relève toujours « without great damages » de ses actes de révolte militante, sinon de survie flamboyante.

28e édition du festival Faits d’Hiver, porté par Micadanses. L’édition 2026 revisite des lieux historiques et rend hommage aux premiers soutiens du festival. Elle explore la cohabitation des générations dans l’espace chorégraphique et propose des échos générationnels, affirmant que l’histoire des formes se poursuit aux côtés de la danse dans un geste vivant et partagé.

La Biennale est un programme d’œuvres hors les murs, sur deux semaines, dans des lieux non dédiés : pièces pour champ, centre commercial, immeuble, amphithéâtre, cabane… invitant des créations artistiques qui pensent leur mobilité et leur inscription sur les territoires. Pour cette première édition nous accueillerons des artistes d’univers différents, des projets insolites, des créations, pour aller à la rencontre des publics, ici et ailleurs. Par exemple dans le dialogue d’Alouettes, où le champ devient scène et le spectacle se poursuit en se muant en rencontres entre des spécialistes et les spectateur·ices, autour d’un verre et de produits locaux.

The Democracy Project est le titre d’un essai de David Graeber, anthropologue, penseur anarchiste et figure du mouvement Occupy Wall Street. Face aux périls qui menacent aujourd’hui la démocratie, il affirme la nécessité de vivre comme si nous étions déjà libres : non en renversant la domination mais en cessant de la fabriquer, en concevant une révolution qui ne serait pas un Grand Soir mais une improvisation sans fin.

Festiv·iel, rendez-vous annuel majeur dédié au féminisme inclusif, aux cultures queer et aux questions de genre et de sexualité. Cette édition a réuni de grands noms et spectacles audacieux, avec des artistes comme Rebecca Chaillon, Ovidie, Adèle Haenel ou Mélissa Zehner, explorant la déconstruction du patriarcat sur scène. Mais le Festiv·iel ne se limite pas aux spectacles : il offre aussi performances, échanges (notamment les universités d’automne avec HF+), musique et fête, rappelant qu’il est possible de s’attaquer au patriarcat avec énergie, joie et paillettes.

En 2025, la Fondation Villa Datris invite à découvrir le travail de 64 artistes engagées venues du monde entier en exposant des œuvres qui interrogent les grands enjeux contemporains. Féministes, écoféministes, défenseuses des droits humains, militantes contre le racisme et proclamant la liberté de disposer de leur corps, les artistes choisies investissent des luttes toujours essentielles. L’exposition met en lumière l’invisibilisation des femmes et la persistance de leurs combats rappelant combien il est crucial de préserver les droits acquis.

Voir la mer propose une exploration sensible du littoral et de ses représentations. À travers un ensemble de photographies, l’exposition interroge notre rapport à la mer, entre mémoire, imaginaire et réalité. Les œuvres réunies composent un parcours immersif où paysages, horizons et récits se répondent. Une invitation à ralentir le regard et à contempler la mer comme un espace de projection poétique et sociale, où se tissent expériences intimes et visions collectives.

Honda Romance de Vimala Pons est une performance chorégraphique et théâtrale qui explore la circulation des émotions à travers une traversée intense et fragmentée des affects contemporains. Dans un dispositif mêlant corps, musique et chœur, une interprète et dix performeurs donnent forme à un flux continu de sensations, entre humour, violence et fragilité. Le spectacle interroge notre rapport à l’équilibre, à la chute et à la résilience dans un monde saturé d’images et de stimuli.

L’exposition in dubio pro reo est la première exposition rétrospective de l’artiste franco-iranien Pooya Abbasian. Elle retrace dix années de travail et réunit une série de créations récentes. Structurée par grandes séries que l’artiste développe depuis son arrivée en France, l’exposition met en lumière une pratique multidisciplinaire et expérimentale qui s’intéresse à la construction, à la circulation et à la réception des images à l’ère post- média. Archives glanées sur internet, photographies de presse, images capturées dans des films ou encore photographies quotidiennes composent la matière première des œuvres de Pooya Abbasian.

Affaires Familiales d’Émilie Rousset nous invite dans le quotidien de cabinets d’avocates spécialisées en droit de la famille. Des histoires de divorce mais aussi de violences intra-familiales ou d’inceste. Par un geste de déconstruction de la parole à partir d’archives et de témoignages, avec plusieurs acteur·ices au plateau et un dispositif scénographique qui intègre la vidéo, le sens naît du décalage. La transposition sur la scène de théâtre, et la distance opérée par le travail de montage des propos recueillis, offrent un angle inattendu pour considérer le sujet.

Entre exploration philosophique et fête de carnaval, entre testament et danse collective, ANNETTE est un hommage aux multitudes que nous sommes, à nos métamorphoses et à nos renaissances. Quand Clémentine fait la connaissance d’Annette, cela bouleverse son rapport au monde. Au cours de nombreux entretiens, Annette lui offre plus de 70 ans de vécu intime : ses choix, de l’histoire de son corps, ses échappées même les plus violentes. En convoquant sur scène Annette, deux comédiennes et deux danseurs, et en tissant ces souvenirs à des mondes fantasmés, ce portrait en format paysage propose un autre regard sur la vieillesse.

Nourrir l’Humanité c’est un métier, créé en 2012 puis réactualisé en  2019, s’inscrit dans une démarche de recherche documentaire comme outil théâtrale. Le constat est dressé  : la disparition des exploitations agricoles familiales au profit de l’agro-industrie, les drames qui se jouent au sein des fermes, le silence médiatique. En donnant voix à celles et ceux qui nourrissent le monde, la pièce propose une autre manière d’aborder les enjeux agricoles, loin des clichés, au plus près des réalités de terrain et portée par l’espoir d’une agriculture vivante, juste et durable.

Ouverture des hostilités est une “contribution théâtrale à la destruction du système capitaliste". D’abord, elle prend la forme d’une conférence théâtralisée aidée de quelques dessins. Puis, le théâtre advient : un petit groupe d’individus se projettent dans le futur et imaginent ensemble les contours d’une société “émancipée”. La pièce  déconstruit avec humour les obstacles mentaux qui nous empêchent d’imaginer un avenir radieux, réinventent des mondes où les rapports de domination sont transformés, où les conflits sont gérés autrement, où les décisions sont prises de manière égalitaire.

Le festival Multitude, porté par le Département de la Seine-Saint-Denis, est un rendez-vous culturel célébrant la diversité des créations artistiques et des expressions contemporaines. À travers des spectacles, concerts, performances et projets participatifs, il investit le territoire et ses habitant·es. Multitude met en lumière la richesse des scènes locales et internationales, et affirme une vision ouverte, festive et inclusive de la culture au cœur de la Seine-Saint-Denis.

Pensée comme une balade introspective dans les recoins les plus inconnus de nos êtres, l’exposition Mille et une vies explore avec douceur et poésie le rapport que nous entretenons à nos identités. Questionnant la fragilité de la construction de nos personnalités, l’exposition déploie fièrement l’éventail de la nuance autour de nos modes de vie, ainsi que des notions de genres et d’origines afin de mieux comprendre et reconnaître, dans nos différences, ces autres avec qui nous ne faisons qu’un.

Niché au bord du canal de l’Ourcq, au cœur du Parc de la Villette, Jardin21 rouvre ses portes pour une nouvelle saison du 3 avril au 28 septembre 2025. Ce lieu hybride de 500m2 mêle potager urbain, fête, détente et scène artistique dans un esprit  libre et inclusif.Tout au long du mois de juin,  la programmation multiplie les formats et les publics : ateliers végétaux, yoga en plein air, DJ sets, projections, performances drag, marchés de créateurs, rencontres, évènements engagés autour de l’écologie o… En juin, on danse autour d’un bingo ou d’un jazz dancefloor, on cuisine les invendus avec nos anti-gaspi, on cultive sa joie avec des ateliers végétaux ou des rires collectifs.

Accompagnement relations presse et influence sur 100% L'EXPO. Fidèle à son ambition de valoriser la jeune création, la 7e édition a laissé libre champ à une trentaine d’artistes récemment diplômés d’écoles françaises.

Une invitation annuelle à déambuler dans la Grande Halle de la Villette à la rencontre des œuvres et de celles et ceux qui composent l'art émergent.

En amont du sommet pour l’action sur l’intelligence artificielle (IA), Maison Message a accompagné le week-end culturel consacré aux enjeux de la création, avec des conférences et débats, mais aussi des animations, ateliers, démonstrations, projections et une grande exposition, accessibles à toutes et à tous.

Cette 27e édition du Festival Faits d’Hiver se tisse d’une thématique pour la première fois depuis la création du festival : celle de la mémoire ou, exprimé d’une autre manière, de l’hier contemporain. Empreintes, traces, savoirs, tout ce qui remue en eaux profondes demande à être exposé à nouveau. Donc, créations, recréations, reprises, redécouvertes, hommages, revivifications historiques... Un terreau riche et varié. Echo de préoccupations de chorégraphes d’aujourd’hui, reflet de notre société en interrogation.

Cette saison, le festival WET° fête ses 9 ans. Il est devenu un rendez-vous incontournable pour le public tourangeau, les professionnel·les et les artistes. Il est programmé par la Jeune Troupe du Théâtre Olympia et accueille des artistes émergent·es programmé·es par leurs pairs, c’est inédit en France. Pendant plusieurs mois, les 8 membres de la Jeune Troupe ont sillonné les théâtres et les festivals pour prendre le pouls de la jeune création théâtrale. Le WET trouve désormais sa place dans la cadence des Week-ends de saison au moment de l’équinoxe de printemps. C’est le temps de l’énergie, de la jeunesse engagée, festive et prometteuse. Le temps du renouveau.

Depuis le XIXe siècle la représentation du corps classique et du nu idéal est remise en question, miroitant les mutations profondes de nos sociétés. Plus qu’une exposition de groupe, “Faire corps” prend le pouls de la représentation humaine dans ce qu’elle offre de plus actuel, divers et audacieux à travers le regard d’artistes reconnu.es et émergent.es.

Label du ministère de la Culture crée en collaboration avec Culture Nuit. La labellisation « Club Culture — Lieu d’expression artistique et de fête » reconnaît des établissements des scènes nocturnes françaises engagés dans la création, la diversité et l’accueil des publics. Attribué pour une durée de trois ans, ce label valorise des lieux hybrides à la croisée de la musique, de la fête et de la culture, et repose sur des critères de programmation, d’accompagnement artistique et de prévention. Les premiers lieux distingués, à Paris et en régions, incarnent une vision ambitieuse du clubbing : ouverte, inclusive et attentive aux enjeux de sécurité et de responsabilité.

Mis en scène par Bérangère Vantusso et en images par Paul Cox, Longueur d’ondes se saisit de l’histoire de l’une des plus célèbres radios libres. Ce récit choral narré par deux interprètes et soutenu par les images et témoignages, embrasse la multiplicité des luttes à l’œuvre. Racontant l'itinéraire singulier de la Radio Lorraine cœur d’acier (LCA), créée par la CGT, Longueur d’ondes donne à voir la puissance de cette expérience collective. Les témoignages se succèdent dans un dispositif scénographique jouant avec l’univers de la radio, le Kamishibaï, les symboles et mots dessinés par Paul Cox, les photos de grève ou d’usines.

Seule en scène dans sa robe de nymphe et sa couronne embroussaillée, créature antique et joueuse à la fois, clown-enfant et femme lyrique, Leïla rassemble ses mondes. Invoquant Bach au goulot d’une mignonnette, célébrant l’enfant qu’elle n’aura pas, vibrant à son piano toy sur des mémoires enfouies, passant du français à l’anglais et à l’espagnol ou encore à un de ces langages insensés dont elle a le secret, explosant en volutes de timbres imaginaires inimaginables, le tout ponctué par des confessions drolatiques sur le play bach, l’accordage des instruments en 440 et autres sujets pris à la volée.

Auteur résolument contemporain Emmanuel Adely a réécrit les contes de Charles Perrault en rendant aux paires la jeunesse malicieuse qui leur est due.  Ainsi Peau d’huile, Lou ou encore Serial Lover, nous rappelleront quelques histoires habilement édulcorées par Walt Disney et aujourd’hui remises en scène dans leurs brutales réalités par le surgissement de #MeToo. Le Petit Chaperon rouge ou encore Barbe Bleue viennent reprendre du service chez nos contemporains en levant les questions éternellement refoulées de violence, d’inceste, de domination, de craintes ancestrales.

Croizades (Jozef&Zelda) raconte l’histoire de deux enfants qui cherchent à inventer une histoire. Sur scène, la pièce propose une réflexion collective sur cette notion d’habitat, en proposant aux spectateur.ices d’occuper un espace vide, pour œuvrer ensemble, l’espace d’1h, à la réalisation d’une construction à même de le transformer, voire de le remplacer entièrement. Faire entrer le public dans la construction, c’est lui offrir une place dans la responsabilité de ce qui advient ; lui donner le choix de son intervention ; proposer un possible déploiement de l’action au-delà de ce qui est à priori permis.

Strip : au risque d’aimer ça est une plongée immersive dans le milieu du striptease mêlant témoignages, récit autobiographique et fiction. Loin des fantasmes et de l’imaginaire fondé sur les stéréotypes de la pornographie, ce projet parle avant tout d’hommes et de femmes qui se découvrent et se rencontrent à travers l’action d’une mise à nu, et qui parfois même en viennent à s’aimer. À partir d’interviews et de témoignages réels, le projet restitue la parole et les points de vues de ceux et celles qui traversent un jour l’expérience du club de striptease.

Après une troisième saison des plus réussie, le Kilomètre s’apprête à réouvrir ses portes pour la saison estivale 2024. Parmi les premiers artistes annoncés pour cette quatrième saison, on retrouve Jeff Mills (7.05), Ben Klock en B2B avec Fadi Mohem (31.05), Nene H, Fjaak (3.05), Richie Hawtin (10.05), Elli Acula, 999999999, Modeselektor, Laurent Garnier, Misstress Barbabra & bien d’autres encore!Cette saison le Kilomètre25 sera ouvert les vendredis & samedis soirs, ainsi que les veilles de jours fériés, de minuit à 7h du matin.

L’exposition Le Serment d’Opéra, présentée du 17 mai au 21 septembre 2024 au Carré de Baudouin, est le fruit d’un partenariat entre le Centre hospitalier Sainte-Anne du GHU Paris psychiatrie & neurosciences et l’Académie de l’Opéra national de Paris. Invités à franchir les portes de l’Opéra national de Paris, des patients ont accepté de prendre part avec le personnel soignant à des ateliers de danse menés par les danseurs du Ballet de l’Opéra de Paris, Takeru Coste et Antonin Monié. Pour accompagner ce programme d’inclusion sociale, l’Académie de l’Opéra de Paris a passé commande au photographe Frédéric Stucin pour fixer la rencontre et proposer un regard artistique.

Faisons Corps est une exploration attentive et sensible du corps évoluant dans un environnement fragile. À travers des thématiques diverses, l’exposition nous propose de comprendre le corps autrement : pas seulement la structure physique d’un être vivant mais aussi ce qui nous permet d'interagir sensoriellement avec notre environnement, avec les autres, ce qui fait nos singularités et nos identités multiples. Le vaste sujet du corps est décortiqué par la sculpture, la céramique, le textile, le dessin ou encore l’installation son et lumière.

I PROMISE I’LL COME AND RESCUE YOU est un ensemble de 40 vidéos de moins de 2 minutes chacune. Ce sont de courtes séquences tournées d’un point de vue subjectif. Ces images, récupérées sur une banque d’image en ligne, font dialoguer boucle mentale et boucle visuelle, mantra, auto-persuasion, et obsession. Artiste multi-médias et trans-disciplinaire, Vimala Pons a pour formation le sport en compétition, l’histoire de l’art, le cinéma, et la musique. Connue pour ses spectacles performatifs mais aussi pour son parcours ciselé en tant qu’actrice au cinéma, tout son travail d’artiste repose sur la macro-introspection émotionnelle et la manifestation du déséquilibre sous toutes ses formes.

Le projet Randopolitain conçu par Enlarge Your Paris propose une exploration originale du territoire métropolitain à travers des parcours de marche reliant nature, infrastructures et paysages urbains. En invitant à parcourir le Grand Paris à pied, il renouvelle notre regard sur la ville et ses marges. Chaque itinéraire devient une expérience sensible et documentaire, révélant la diversité des espaces, des usages et des récits qui composent la métropole.

En 2023, la Fondation Villa Datris présente Mouvement et Lumière #2, une exposition hypnotique et lumineuse à travers une sélection d’œuvres d’art cinétique du mouvement originel des années 50 tout en s'ouvrant à de nouvelles générations d’artistes. L’accent est également mis sur l’utilisation de la lumière – naturelle ou artificielle - dans la réalisation des 81 œuvres exposées et conçues par 60 artistes français et internationaux, émergents ou historiques.

Au Japon, des milliers d’individus vivent dans un isolement absolu en restant enfermés chez elleux des années ; on les appelle les hikikomori. Depuis 2020, Anne-Sophie Turion et Eric Minh Cuong Castaing ont suivi une association de soutien aux hikikomori. Mêlant installation cinématographique, performance et interactions par des robots de téléprésence, HIKU est la rencontre de personnes ayant vécu une expérience hikikomori, d’activistes, et du public. Accompagné·es par la performeuse Yuika Hokama, différentes présences témoignent sur scène et nous embarquent au cœur de leur univers intime et à la rencontre de la communauté activiste qui s'est formée autour de l'association.

Le temps qu’il nous faut explore les paradoxes du temps à vivre, tiraillé entre le désir de multiplier les expériences et celui de s’aménager des pauses. Tandis que nos sociétés modernes optimisent et rentabilisent notre temps, la rêverie et l'imaginaire deviennent une ressource collective pour penser un modèle plus juste et plus désirable. C’est l’invitation que nous font les douze artistes présenté·es dans cette exposition : accepter les paradoxes du temps à vivre, dénoncer nos dérives frénétiques et imaginer ensemble un monde au ralenti où nous aurions tout simplement le temps de vivre.

J'aime de Laure Werckman explore les multiples facettes du sentiment amoureux à travers une écriture sensible, fragmentée et profondément contemporaine. La pièce interroge ce que dire “j’aime” engage aujourd’hui, entre intimité, injonctions sociales et vulnérabilités. Portée par une langue vive et incarnée, elle déploie un théâtre de l’émotion où les voix, les corps et les silences composent une cartographie mouvante du désir et du lien à l’autre.

Kheir Inch’Allah est un témoignage sincère de questionnements qui habitent une jeune femme en route vers elle-même. Yousra 33 ans revient avec humour et tendresse sur l’éducation que son père lui a donnée, à laquelle se greffe le drarisme, la mentalité portée par les jeunes des quartiers populaires, les Draris. Elle décortique ses relations avec les hommes à la lumière de ses nombreuses identités et valeurs qui se disputent la première place : loyauté, taghenanisme, féminité, ...et drarisme. Dans un contexte où le monde lui susurre qu’il faut choisir qui devenir, elle n’y voit plus clair.

Paysages partagés est au centre d’un projet plus vaste, Performing Landscapes, fruit d’une collaboration avec des institutions et structures de production en Espagne, Italie, Portugal, Autriche, Slovénie, Allemagne, Suisse et en France. En fin d’après-midi et soirée, le temps d’une fin de journée dans la nature en dehors des villes et villages, spectateurs et spectatrices vont arpenter et explorer plaines et forêts à la découverte de sept propositions artistiques et autant de variations sur le paysage. Sculptures musicales, créations sonores, audio-tour chorégraphique, pique-nique détourné, pièces philosophiques créent une expérience sensorielle collective et participative intense.

Schubert avait-il des recettes pour écrire ses tubes ? Dans une conférence-spectacle aussi érudite que déjantée, Pierre-Do Bourgknecht démontre avec subtilité qu’on pourrait fabriquer du Rammstein avec du Schubert ou danser la chorégraphie de Flashdance sur un de ses Lieder. Par des comparaisons insolites avec des hits actuels, Pierre-Do nous révèle que le compositeur n’était pas loin d’écrire la BO de Starwars et qu’il y a en fait beaucoup de Schubert dans la musique pop. Le spectacle présente sept tubes du compositeur sous un jour tout nouveau et qui séduira aussi bien les musicien.ne.s que ceux et celles qui n’écoutent jamais de classique.

Forme(s) de vie partage une expérience chorégraphique et cinématographique associant 5 interprètes professionnel·les, valides ou en situation de handicap. Ici, les danseur·euses interviennent tel·les des prothèses humaines, sensibles et relationnelles, palliant aux empêchements musculaires et moteurs et allant vers une augmentation collective du mouvement. Forme(s) de vie invite les spectateur·ices à s’installer au sol ou sur des praticables au sein de l’espace scénique, au plus près des interprètes. Durant le spectacle, des films projetés déclinent des corps à corps spécifiques, hors scène, avec d’autres personnes en perte de mouvement.

Pour sa 25e édition, Le Festival Faits d’Hiver installe de manière solide une présence étendue dans Paris et la petite couronne, naviguant ainsi sur quatre départements différents. Dix-huit lieux de diffusion comme autant d’étapes d’un périple dynamique et haut en couleur. Ainsi, la diversité revendiquée de la programmation trouve son enracinement dans des théâtres tout aussi divers, la danse contemporaine pouvant s’ébattre dans sa pleine envergure esthétique, sa joie à convoquer des âges, des corps, des univers dansés, déplaçant le regard vers une conception étendue du chorégraphique. Une manière de croire toujours que la danse contemporaine s’adresse à tous.

La Fondation Villa Datris explore l’art de la sculpture céramique en réunissant plus de 130 œuvres réalisées par 100 artistes historiques, contemporains et émergents français et internationaux. En s’emparant avec créativité et originalité de cette matière qu’est la terre, les artistes semblent partager une vision du monde réparatrice, qui cherche à lier la société à la nature, les cultures passées à celles à venir.

_p/\rc___ invite le public dans un parc chorégraphique aux normes renouvelées, d’où naissent des danses spécifiques, associant des enfants atteints de troubles moteurs physiques et des danseur·euses. Autour d’elleux, avec elleux, des robots de téléprésence, pilotés par d’autres enfants ou adultes en situation d’empêchement physique. Les danseur·euses se font à la fois prothèses des corps dits empêchés, mais aussi toboggans, manèges vivants. Les robots poussent, tirent, dessinent avec les enfants. Les visiteur·euse.s, invité·es à parcourir l’espace au plus près de ces danses interdépendantes, agitent par leurs actions et leurs déplacements cet étrange parc intérieur, un parc hors de la norme.

Le Jardin21 est une friche végétale nichée dans le Parc de la Villette, dans le 19ème arrondissement de Paris, à la frontière de Pantin et au bord du canal de l'Ourcq. Depuis 5 ans, ce lieu de vie éphémère propose tous les étés une programmation culturelle et festive dans le cadre idyllique de son jardin/potager. Jardinage, DJs sets, marchés de seconde main, théâtre, sport, ateliers créatifs... Du 3 juin au 2 octobre 2022, le Jardin21 va proposer une ribambelle d'activités pour se retrouver en famille et entre amis.

En psychologie mais aussi en physique quantique, le périmètre de Denver est un espace mental, un état de confusion entre vérité et mensonge. Entre essai filmé, cirque et théâtre d’objets, inspiré par la littérature et les séries policières, Le Périmètre de Denver est une performance burlesque et réjouissante où les sept témoins d’un meurtre mystérieux livrent des versions très différentes de la même soirée. Leurs récits ne nous éclairent pas sur la vérité, mais plutôt sur le rapport qu’ils entretiennent avec le mensonge. Comme à son habitude Vimala Pons use d’allégories et de métaphores acrobatiques pour comprendre le monde et crée un univers singulier, surréaliste et acrobatique.

C’est la rétrospective de dix ans d’acquisitions d’œuvres, et autant d’expositions, qui forment aujourd’hui la Collection de la Villa Datris. C’est une collection faite de coups de cœur et aussi du fruit de nos recherches, de nos réflexions et de nos échanges avec les artistes à l’occasion de visites d’ateliers, et nourrie de nos découvertes lors de visites d’expositions. Elle reflète nos goûts, nos choix personnels et passionnés, nos regards croisés avec Tristan, et puis après son départ, de mes regards partagés avec d’autres, avec les vôtres aussi au fil des ans.

L’exposition Matières à Mijoter s’interroge : qui décide de ce que l’on mange ? À la fois sujet sociétal, quotidien, subjectif mais universel, personnel mais collectif, l’exposition propose une balade poétique et engagée parmi des thématiques soulevées par l’alimentation. La raison de nos bouchées, le patrimoine de nos gestes, le poids des présupposés, le sens des responsabilités, la puissance de la mutualisation, le paradoxe de la production, l’enjeu de la modération, l’optimisation des possibles, la considération du vivant… 

La Dimension d'Après présente sous une forme spectaculaire un télé-orchestrion, commandé et arrangé par Tsirihaka Harrivel, dont les variations tournent autour du « clap ! » - action de taper dans les mains - et du « hit » - coup. Que ça soit dans la musique (contre-temps et boîte à rythme), dans les bruitages (claque et tarte à la crème) ou dans les situations soudaines (applaudissement et chute), le « clap ! » marque le coup. La Dimension d'Après, c’est une histoire « comme si », à plusieurs dimensions. Le scénario fait dialoguer consciemment des manières de procéder diverses : en premier lieu le fracas, puis la vidéo, la musique et enfin l’humour volontairement violent du burlesque.

Dans la tradition des biographies approximatives d’artistes Mikki Rappuleinen ou Mémoires de l’Homme Fente est une biographie inventée du non moins réel peintre JC de Venty. Lors de la vente aux enchères de l’intégralité de son oeuvre en 1997, Mikki Rappuleinen est soumis à trois moments dit de « l’expérimentation de la Fente ». Névrose profonde d’anxiété aiguë ou don d’une sensibilité sur-naturelle? La question reste entière. Toujours est-il que Mikki découvre sa capacité mystérieuse et envahissante dans un contexte stressant.

Trop Classe  ! est une exposition autour de la transmission (thématique choisie par le Maif Social Club ce semestre) des savoirs autant manuels qu’intellectuels. Cette exposition est une expérience corporelle et sensorielle où les savoirs passent autant par la main que l’esprit. C’est une agora, une aire de jeux, un lieu ouvert, transgénérationnel où l’exclusion liée aux âges, aux sexes, aux origines n’existe pas. Vous évoluerez de place en place et sur chacune d’entre elles, vous serez amenés à réfléchir, naviguer, fabriquer, jouer, parler, rêver, vous insurger, philosopher…

L’exposition Champs Libre s’inscrit autour de la thématique “Transition” choisie par le Maif Social Club pour animer ses activités ce semestre. Depuis des siècles, le paysage est dessiné par l’action de l'Homme, qu’elle soit celle des pouvoirs publics, des entreprises, des collectifs ou des individus. Ici c’est un paysage du futur qui est esquissé par 11 artistes contemporains composé de différents milieux minéral, aquatique, végétal, urbain et aérien. Chacune des œuvres présentées fait résonner ces éléments, et des interactions et des questions se créent.

L’exposition Causes Toujours ! propose une conversation directe et déroutante entre art et société, afin de mettre en évidence les rouages complexes de la mécanique d’influence du Web sur notre processus d’engagement. Confronter systématiquement le regard d’un artiste, le récit d’un phénomène d’actualité et un éclairage sociétal. Esprits alertes de tous pays, unissez-vous : des idées nouvelles aux utopies persistantes, il y aura matière à s’inspirer, s’interroger et s’exprimer. Car s’il est bien une liberté inestimable, c’est celle de transformer la réalité qui nous entoure.

Le projet Dans les branches, une cabane habitée est proposé par Michèle & Miquel. Ils développent un projet utopique qui se construit sur l’idéalisation du mode de vie d’aujourd’hui dans la ville d’aujourd’hui. Si la cabane est souvent associée à un habitant solitaire, pour remettre en cause l’individualisme de notre société d’aujourd’hui, quelle serait la cabane collective ? L’exposition est une expérience immersive, un espace émotionnel et fictionnel qui s’inspire des usages d’utilisateurs supposés. C’est une expérience d’habiter le pay(U)sage.

Dans le cadre de la thématique “Mobilités”, Escales en vue est un voyage à travers les yeux de douze artistes, tous poètes autant qu’explorateurs. Grâce à une multitude de ressources employées, de chemins empruntés et de destinations visées, ces artistes rencontrent l’ailleurs à l’autre bout du monde ou juste  en bas de chez eux. Avec l’imaginaire comme clé de leurs déplacements, ils rêvent à l’infinité du monde, explorent des territoires réels ou fantasmés, inventent leurs transports, leurs périples et décident de leurs règles et de leurs rythmes...

À l’heure de l’intelligence artificielle, venez expérimenter 8 œuvres,  explorer la manière dont l’attention participe à construire nos intelligences et discuter cette construction pour devenir un acteur impliqué. Avez-vous déjà rencontré une créature artificielle ? Avez-vous déjà échangé un regard avec un animal mécanique ?  Le MAIF Social Club accueille l’exposition Terra Data et l’expérience robotique Spoon, incarnant une nouvelle façon d’interagir avec la technologie, simple et instinctive.